Что я подчерпнула для себя на фестивале Sonar+D

Sonar, крупнейший международный фестиваль электронной музыки и цифрового искусства, который проходит в Барселоне ежегодно в конце июля в течение трех дней. В его рамках с 2013 организуется конгресс Sonar+D — площадка для встречи ученых, новаторов и лидеров бизнеса мирового уровня в области технологий, креативности и технологий. Обсуждаемые вопросы затрагивают интересны большой аудитории и для нас, специалистов культуры, посещение этого мероприятия, – это возможность выйти из зоны комфорта и влиться в новую творческую среду с целью стимуляции креативности и развития нового мышления.

С первого дня, меня поразила неформальная атмосфера конгресса, наполненная духом творчества и миллениал. Участники и выступающие –молодые музыканты, продюсеры, артисты, креативы выглядели просто и вели себя свободно. Введенный в этом году многоразовый стакан, который можно было приобрести и нужно было вернуть после использования, отражал всеобщую обеспокоенность об окружающей среде и отказ от использования пластмасса.

Выступления проходили в двух залах и были частично изолированы от других помещений. Для прослушивания конференций необходимо было одевать наушники с усилителем звука. Питание было организовано на открытом воздухе, в огромном дворе. Еду можно было купить в тематических фургончиках, расположенных по периметру вокруг главной сцены, где проходили главные концерты электронной музыки. Оплата производилась с помощью браслета с чипом, который выдавался всем участникам при входе. Деньги на чип нужно было предварительно перевести с банковской карты на специальных остановках, установленных в главных павильонах.

Через двор посетители попадали в другой отсек выставочного павильона, где были организованы иммерсивные эксперианс. Технологии, представленные на конгрессе, были произведениями известных современных артистов, молодых старт ап, экспериментальными работами студентов и крупных компаний.

О запомнившейся мне иммерсивной инсталляции я расскажу в конце этой статьи. Сначала мне бы хотелось поделиться новыми идеями, которые я подчерпнула из нескольких выступлений.  Мое внимание привлекли вопросы о значение технологии в мире современного искусства, с какими сложностями сталкиваются артисты, когда творят свои работы, пользуется ли спросом этот вид искусства и т.д.

Выступление Teamlab, пожалуй, привлекло наибольшее внимание аудитории. Молодая группа артистов, ставшая известной благодаря открытию собственного музея в Токио в 2018 году, сегодня пользуется большим успехом во всем мире. Беседу с артисткой Noriko Taniguchi вела Honor Harger, директор музея Art Science Museum в Сингапуре. Интересным фактом было узнать, что именно в музее Сингапура впервые были выставлены многие инсталляции Teamlab задолго до открытия их музея в Токио. Именно по этой причине Honor была хороша знакома с работами японских артистов и вела беседу легко и с большим энтузиазмом.

В своем выступлении японская артистка Noriko рассказала о траектории компании и о концепции некоторых работ. В команде Teamlab работают 500 специалистов из самых разных областей: инженеры, математики, ученые, артисты, архитекторы. Это отражает комплексность и сложность их творческих произведений. Большинство их работ основано на иммерсивных видеопроекциях, которые выставляются как в залах музеев, так и на открытом воздухе, в старинных замках и забытых парках. Главным лейтмотивом является природа, ее быстротечность, постоянная изменчивость и безграничность. Многие инсталляции интерактивны, постоянно меняются и реагируют на движения посетителей. Их работы запоминаются своей уникальностью и эмоциональном резонансом, что приводит посетителей в восторг.

Так как я недавно посетила музей в Японии, могу сказать из личного опыта, что восприятие инсталляции, когда тебя окружают сотни посетителей, сильно отличается от описанной идеи авторов. Многие важные детали сложно уловить из-за большого количества внешних стимулов. Когда Noriko упомянула о мобильном приложении, которое по задумке авторов должно быть интерактивным и должно регулировать освещение инсталляции, я вспомнила, как я пыталась его использовать в музее, и оно не работало. Как я уже писала, художественная инсталляция из LED лампочек запускалась автоматически, по программе, без какого-либо участия посетителей. Поэтому нужно понимать, что, хотя работы артистов имеют большой творческий потенциал, в реальности эти эксперианс созданы для потребления больших масс людей, что приводит к тому что изначально глубокая художественная идея сильно упрощается и часто воспринимается как яркое шоу.

Значение одного из самых широко обсуждаемых терминов новации стало темой для обсуждения круглого стола Инновации в корпоративной среде СМИ. Вопрос, на мой взгляд, актуальный для многих профессиональных областей и особенно важный для музейного сектора. Появление интернета привело многие известные компании средств массовой информации, в том числе The Guardian, к глубокому кризису. Именно разработки и применение инновационных подходов позволили СМИ оставаться востребованными.

Caterina Preti, отвечающая за обучение лидеров компаний новаторским стратегиям в Turner International/ Warner Media, поделилась несколькими важными советами. Первый принцип —  думай масштабно. Думай за переделами миссии и видения компании. Второе, чувствуй себя комфортно без чёткого понимания, куда идешь и как достигнешь цели. Следующий пункт — прими провалы как неотъемлемую часть обучающего процесса. Но это не значит, что нужно ждать неудач и ничего не делать. Старайся их предвидеть. Спрашивай себя, почему эта идея может потерпеть неудачу, и затем делай все возможное, чтобы этого избежать. И последней совет, в первую очередь адресованный управляющим компаний. Перестаньте постоянно говорить людям, что делать. Если давать указания людям, что делать, они не будут экспериментировать, чувствовать, пробовать и познавать новое. Не давайте четких направлений. Дайте свободу сотрудникам самим находить решения.

Сегодня мы живем во время, когда изменения происходят очень быстро. Это лучшее время для тех, кто быстро учиться и худшее, кто медленно идет. Скорость изменений настолько ускорена, что созданное сегодня, возможно, завтра будет ненужным. Поэтому по мнению Caterina, инновационные программы нужно применять на всех уровнях компании. Не достаточно иметь отдельную команду. Группу нужно набрать из сотрудников из разных отделов, и самое главное с разных уровней. Это позволит находить и разрабатывать инновации по всем направлениям. Критериям для набора в команды являются энтузиазм, открытое мышление, а также баланс и разнообразие разных профилей.

При разработке новых продуктов она подчеркнула важность изучения и понимания потребностей пользователей на первых стадиях проекта.  Именно в понимании потребностей аудиенции заключается успех последующих шагов. По ее словам, идеи, даже самые инновационные, будут бесполезны, если они не основаны на скрупулёзном изучении профилей пользователей. На мой взгляд, очень важный совет, особенно для разработки туристических и культурологических продуктов.

Интересная тема о роли технологий в процессах творчества обсуждалась за круглым столом Кафетерий Творческих технологий.

Ferdi Alichi, артист из Турции, рассказал о совершенно новом формате городского искусства, разработанного компанией Ouchhh+Za!. Они используют искусственный интеллект для расшифровки символов древних документов из которых они создают абстрактные художественные инсталляции. Это метод позволил воплотить самые необычные городские скульптуры, а также создавать необычные иммерсивные видеопроекции в интерьерах зданий. Как заметил артист, сложно было представить несколько лет назад, что такого рода концептуальные работы смогут найти крупных заказчиков. Сегодня, такой формат востребован и выставляются на главных площадях городов и в залах крупных музеев

Артистка Anna Diaz работает вместе Pablo Barquín Hamill Industries в Барселоне. Они известны своими художественными инсталляции с применением лазера. Anna подчеркнула важность применения метода learn by doing, (обучения в процессе практической деятельности) в творчестве сегодняшних артистов. Она рассказала, что, работая каждый раз с совершенно новыми технологическими инструментами и программами, на первых стадиях, ей с трудом представляется каким будет конечный результат. По ее мнению, современным артистам важно не бояться и постоянно экспериментировать.

Последняя артистка Push1 Stop рассказала о своих инновациях в сфере visual design. Традиционно визуальные артисты следовали за ди-джеем и это сковывало и ограничивало их возможности. Push1 stop освободила визуальное искусство, сделав его отдельным художественным направлением, которое сегодня носит название generative design. Но она не остановилась на этом, и пошла дальше, создав новые разработки в области перевода звука в изображение. В последних работах звук материализуются в иммерсивных форматах с помощью использования лазер, тумана и других средовых эффектов.  По ее мнению, сегодня технологии открыли много новых возможностей для артистов, однако часто процесс творчества является трудоемким. Артистам необходимо постоянно овладевать новыми знаниям и навыкам работы с техническими программами.

Нужно отметить, что в целом, формат конгресса, выбранный организаторами, представлял собой насыщенную и разнообразную программу, состоящую из презентаций, воркшопов и площадок для тестирования технологий. Приглашенные артисты показали, что технологии — это не просто тенденция, а новый инструмент для творчества, потенциал которого пока ещё раскрыт не полностью.

Возвращаясь к теме технологий, на конгрессе их было представлено огромное множество. От виртуальных полётов на луну, интерактивных AR татуировок, создающих музыку, поющих растений, искусственного интеллекта распознающего эмоции и даже дирижирования хором, смонтированного из записи человеческого голоса.

Сканируя свою память на самые яркие впечатления, которые я получила от экспериментирования технологий, я вижу следующую картинку.

Я вижу себя на небольшой площадке, окруженной группой из 20 — 30 человек. Нас освещают теплые по тонам световые проекции. Мы выполняем различные физические упражнения, следуя инструкциями коуча через наушники. Движения под музыку сменяют асады из йоги и практики из майндфулнесс. Происходящее напоминает мистический ритуал, групповые упражнения аэробики или же танцы африканского племни.

Речь идет об инсталляции Onionlab by Desigual.

Почему из всех инсталляций мне запомнилась именно эта? Думаю, потому что это был живой контакт с незнакомыми мне людьми, способ самовыражения через музыку и танец. И самое главное, потому, что в этом эксперианс преобладал человеческий контакт над экранами, шлемами и очками.